El lado oscuro -y no tan oculto- de los mejores directores de cine

Hasta al crack más crack le han gritado “tronco” en la cancha. Al chef más talentoso se le tuvo que haber quemado alguna vez un ponqué. Pues bien, los directores de cine famosos también han tenido sus malos días... o meses... o años… Esta es una selección de películas malas de los directores más reconocidos. 

stos directores no son reconocidos en la industria y entre el público por estar en la rosca o por caribonitos. Cada uno ha contribuido desde los universos de sus historias a crear mundos posibles en los que más de un espectador sigue volando. Sus personajes, escenas épicas, estética y música han marcado generaciones y su legado no morirá.

Pero como todos tenemos un lado oscuro –de la Fuerza o no, lo tenemos–, decidimos escarbar en su filmografía para ver si tenían alguna presa mala. Esta es nuestra selección de las peores de los mejores. Bienvenidos a llevarnos la contraria.

Woody Allen

De unos años para acá, pareciera que ser un intelectualoide romántico se volvió para Allen un hábito que tiene que evidenciar anualmente (literalmente estrena una cinta por año desde la década de los ochenta). Sus últimas comedias románticas y dramas solo generan bostezos.

¿Será un mensaje subliminal para que volvamos a oír a Sidney Bechet? ¿Está haciendo películas melcochudas y aburridas para crear su propia fórmula y, luego, romper sus reglas y renacer? (Tal vez necesita luchar cuerpo a cuerpo con un oso, como Di Caprio). 

Por ahora no lo sabemos. Igual, siempre tendremos Manhattan… y Annie Hall, Bananas, La rosa púrpura del cairo, Melinda y Melinda, Matchpoint, Celebrity. Con tantas joyas está en su derecho de meter la pata de vez en cuando. 

A Roma con amor (2012)

Estábamos acostumbrados a verlo en pantalla interpretar e interactuar con personajes que reunían lo patético, lo absurdo y lo poético, pero de un tiempo para acá se ha interesado más en juntar un elenco de estrellas y hacer una postal de Roma.

¿Hay actuaciones memorables? Sí. Alec Baldwin desarrolla un papel reflexivo que retoma esos silencios en los personajes de Allen que lo acercaban a cada espectador y Benigni divierte con su rol de “nuevo famoso italiano”. Salvo estas excepciones, interpretaciones como la de Jesse Eisenberg haciendo su papel favorito -un intento de nerd con un ligero tartamudeo, un poco de jiba y una mirada de perrito asustado- hacen que la narración pierda fuerza.

La película no es desastrosa, tiene algunos de los viejos guiños del director, pero aburre por momentos. Además, hay escenas que sobran y el final es muy predecible.

Resumen: Un remix mal hecho de Paris, Je t’aime, esta vez en Roma.

Magia a la luz de la luna (2014)

Es una película bonita, no por su historia sino porque la fotografía está tan bien hecha que es deliciosa de ver, casi que uno siente el calor de los matices naranjas de los atardeceres. Sin embargo, la trama y el desarrollo de la historia son una total decepción. Aunque la protagonizan grandes como Colin Firth y Emma Stone, es imposible que uno se coma el cuento de que se quieren, aunque cada uno es un experto en comedias románticas (para la muestra El diario de Bridget Jones y La la land, respectivamente).

Resumen: Un inglés que se disfraza de mago chino acepta el reto de su mejor amigo para descubrir in fraganti a una médium. En esta película la magia no existe, ni siquiera la del amor. 

Café Society (2016)

En la más reciente película de Allen es evidente la nostalgia por la época dorada de del cine, el jazz y la crème de la cultura. Por otra parte, sus protagonistas, Kirsten Stewart y Jesse Eisenberg, hacen de Kirsten Stewart y Jesse Eisenberg. Parece que en los últimos castings Allen se ha interesado más en que sus personajes combinen estéticamente en la pantalla que por crear un desafío actoral para ellos. Eso sí, hay que decir que, como hace mucho tiempo no ocurría con el director, Café Society tiene una historia que se desarrolla y cada personaje se transforma a medida de la narración. El cineasta deja que las consecuencias de las acciones de los protagonistas sean fluidas y creíbles, pero se respira un tufo de deja vú. 

Resumen: Un joven se enamora de una mesera idealista, ella lo deja por el tío de él y él se decepciona y termina dirigiendo un club de traquetos. Normal. 

Wes Anderson 

Después de ver películas como Hotel Chevalier, Moonrise Kingdom o El Gran Hotel Budapest, es imposible no sentir admiración y amor puro por la forma en la que Anderson crea sus mundos. 

Cada una de sus cintas refleja un trabajo titánico por contemplar hasta el más mínimo detalle: los encuadres simétricos, la paleta de colores, el vestuario, los escenarios, la música y los personajes. Además, cada historia parece estar tejida entre la cotidianidad de un ser humano y lo fortuito, dejando espacio entre hebra y hebra para una luz que le da un halo fantástico sin rayar en lo fantástico.

Es casi imposible pensar en una película floja de Anderson, pero, como humano que es –hasta ahora nadie ha demostrado lo contrario–, estos son un par de cintas que nos bajan de la nube.

Viaje a Darjeeling (2007)

A pesar de que la fotografía y los planos tienen todo el ADN de Anderson, la historia no cuaja de principio a fin. Los giros narrativos no llevan a ninguna parte y el objetivo del encuentro de los actores Owen Wilson, Adrien Brody y Jason Schwartzman se resuelve en juego de miradas y abrazos entre ellos. Para rescatar, el director muestra una India que no se queda en puntos rojos en la frente y elefantes; hay interacción con otros personajes, con el espacio y sus costumbres. Pero no, los personajes no convencen: están construidos desde lo estético y no lo emocional.

¿Qué te pasó, Wes? Antes eras chévere. 

Resumen: Un hombre quiere retomar las relaciones con sus otros dos hermanos y los invita a la India, pero ni la mística hindú logra que uno sienta que son familia.

La vida acuática con Steve Zissou (2004)

Bill Murray es un ícono, eso es innegable, pero sus apariciones a veces parecen surgidas del deseo de que haga sus gracias en vez que que interprete un personaje. Aunque hay algunos conflictos internos del protagonista, estos se ven opacados por la ligereza con la que son resueltos los momentos cruciales de la película; uno no termina de entender una escena y salta a otra. 

La pandilla de siempre -Murray, Anjelica Houston, Owen Wilson- forma gran parte de su elenco, pero sus intervenciones parecen precedidas por un telón imaginario y casi que uno siente que salen de cuadro y se mueren de la risa. Es rescatable la aparición de Seu Jorge que, además de interpretar a un personaje con unos cuantos parlamentos, hace un homenaje musical a David Bowie.

Resumen: Un expedicionario en decadencia quiere hacer un documental sobre un tiburón que mató a un amigo y se le unen su esposa, un posible hijo y su archienemigo. 

Tim Burton

Burton es un referente tanto para los que crecimos viendo Big Fish, Marte ataca o Beetlejuice como para los que se enamoraron de la estética de El cadáver de la novia. Sin embargo, su mirada se ha vuelto cada vez más ambiciosa pero no su desarrollo narrativo. No vamos a cortar su cabeza, pero sí a hacer un grito al cielo para ver si la chispa vuelve a él de algún modo.

Alicia en el país de las maravillas (2010)

Esta película es otra muestra de que la experiencia, la tecnología, el talento y el dinero no siempre son la combinación perfecta de una buena historia. Tim Burton hizo una versión en live action del clásico de Lewis Carroll en la que abusa de los efectos especiales y la excentricidad de los personajes hasta desdibujar el texto original. Por muy mona y crespa que aparezca Mia Wasikowska, uno no se termina de comer el cuento de que es Alicia y de que, de buenas a primeras, se convierte en una heroína que sabe blandir una espada cuando hace menos de una hora estaba bailando torpemente un vals. Suponer hay que contar muchas cosas rápidamente es un error que Burton ha repetido de tanto en tanto. 

Resumen: Una familia arregla el matrimonio entre una joven y un hombre que le gusta mirar mocos y ella emprende un viaje psicodélico debido a una amnesia o las drogas, nunca lo sabremos.

Sombras tenebrosas (2012)

Tim Burton invita sus amigos de siempre Johnny Depp y Helena Bonham Carter a protagonizar esta cinta que, aunque sigue consolidando el universo audiovisual y estético del director con una apuesta por lo siniestro, no logra el desarrollo narrativo que tuvieron otras como Eduardo manos de tijera. 

Resumen: Un hombre ignora el amor de una bruja, ella lo convierte en vampiro y lo entierra. Dos siglos después tendrá que volver a luchar por su vida porque todas quieren con él. 

Charlie y la fábrica de chocolates (2005)

Burton trató de ser fiel al libro de Roald Dahl, pero convirtió la historia Charlie en el retrato del trauma de la infancia de Wonka. La dirección de fotografía, los actores y los efectos especiales fueron diseñados con detalle, pero como Burton es Burton, no dudó un segundo en darle su toque perturbador a personajes como el dueño de la fábrica.

Resumen: Un adulto que no supera que su padre le haya prohibido comer dulces decide crear un imperio como símbolo de rebeldía. 

Steven  Spielberg

El director, productor y guionista norteamericano es reconocido en Hollywood como un Rey Midas. Estrenó películas como Tiburón que sin esperarlo, recibió críticas y ovaciones por parte de la academia y el público; financió parte de la primera entrega de Star Wars, un éxito generacional que el mismo George Lucas no creía posible en un principio, y dirigió E.T, un referente sci-fi, entre otras. Spielberg no se ha concentrado en crear fórmulas o lenguajes tan identificables como otros directores aquí mencionados, sino que ha procurado meterse en proyectos que le propongan retos cinematográficos y creativos. 

Aunque reconocemos su genialidad, estas son algunas películas que debieron quedarse en el tintero del director. 

Guerra de los mundos (2005)

Es una adaptación de la obra de H.G Wells en la que extraterrestres invaden la Tierra exterminando a los humanos que se encuentran a su paso. Aunque tiene escenas de acción y efectos bien logrados, la cinta solo produce una sensación de asco infinita por la cantidad de sangre y membranas innecesarias que al final no cuentan nada. Además, cuando uno por fin se engancha con la historia y se preocupa por la suerte de Tom Cruise y Dakota Fanning,  el director termina la cinta a las patadas. 

Resumen: Alienígenas preparan una invasión a la Tierra por siglos y cuando la logran, se les olvida untarse jabón antibacterial. 

El mundo perdido: Parque jurásico (1997)

Nadie ha vuelto a mirar a los zancudos con los mismos ojos después de Parque Jurásico. Es que la película es convincente: los personajes están a merced de dinosaurios clonados y después de verla, uno se imagina cualquier cantidad de estrategias y armas caseras para combatir a estos seres en caso de que alguna vez esto se haga realidad. 

Pero en vez de esperar a tener una historia que fuera congruente con lo construido en la anterior, Spielberg se apresuró a sacar la secuela. La cinta naufraga en medio de chistes flojos y un tono políticamente correcto que impide saber si uno se vio una película familiar o de acción extrema. 

Resumen: Una niña decide combatir a dinosaurios con acrobacias. 

George Lucas 

Padre de Star Wars, American Grafiti e hijo de tenderos, cambió a varios generaciones con sus historias épicas y de aventuras. Nadie que haya visto una de sus películas ha ignorado su poder, porque así no les gusten, Lucas, sabe lo que hace.

Howard, el pato (1986)

Después de haber estrenado las tres primeras películas de la saga de Star Wars, Lucas decidió explorar otros horizontes y pensó que el personaje de Marvel sería un bombazo en taquilla. Falló estrepitosamente. Desde el diseño de sus personajes pareció no funcionar –¿qué hace un pato con párpados de humano? Nunca lo sabremos–. La cinta comienza con un tono crítico y de sátira de la cultura norteamericana para luego convertirse en una comedia de lo absurdo, y no en el buen sentido.

Resumen: Un pato es traído a la tierra para convertirse en superhéroe y termina enamorándose de una cantante de rock. Es tan horrible como suena.

Star Wars episodio II: El ataque de los clones  (2002)

En la segunda entrega de las películas modernas de la saga de Star Wars vemos a un Anakin Skywalker adolescente que está entrenando para ser maestro Jedi y le ordenan la tarea de proteger a la princesa Padme. En medio de una crisis en la que los complots, las mentiras y la venganza son el plato fuerte, Lucas se decanta por un drama romántico que no convence del todo. El romance entre Anakin y Padme parece artificial: al principio ella lo trata como un amigo de la infancia y se requiere una hora y una casa entre palmeras y piscinas para que ella lo ame. ¿En serio? Igual que en la película que dirigió Madonna.

Resumen: Un niño se convierte en un adolescente prepotente que no puede olvidar a una princesa y la termina enamorando. Lo de “no me importa que usted sea mayor que yo”, Lucas lo promueve sin pudor.

Quentin Tarantino

Ritmos frenéticos, sangre, personajes desquiciados, sangre, westerns, películas de explotación, influencia japonesa, vampiros y, por supuesto, sangre. La estética de Tarantino es tan marcada que su color rojo debería tener patente.

La verdad, esta fue el director que más se nos complicó. ¿Django desencadenado? Tal vez; tiene partes lentas, tiene exceso de comicidad cuando no debe, pero no, es una obra maestra. ¿Four Rooms? La crítica en nuestra sala de redacción se divide entre sí y no, pero lo cierto es que la participación de Tarantino –la cuarta y última parte titulada “El hombre de Hollywood”- es lo mejor que le pasó a esta cinta. Y pues, aunque muchos no han visto Jackie Brown, esa película no es una cagada. Ni lo son Pulp Fiction ni Kill Bill ni Bastardos sin gloria. Ni locos que estuviéramos. ¿Entonces? 

A prueba de muerte (2007) 

Death Proof (que es mejor título) es una película de explotación que se lanzó junto con Planet Terror de Robert Rodríguez para formar el binomio Grindhouse. Algunos dirán que les gustó, pero sepan que hasta el mismo Tarantino ha dicho que preferiría retirarse antes que hacer otra película como esta.

¿Por qué? Aunque tiene todo lo que es Tarantino -actrices fantásticas en papeles de mujeres poderosas, tensión no recomendada para quienes sufren de problemas cardiacos, una banda sonora que ya mismo va a ir a buscar a Spotify y uno de los mejores choques de autos del cine (haga clic en el link solo si no es impresionable)- esta película es un desorden que solo resulta en “ñeh”. 

Resumen: Un psicópata aburrido, unos carros viejos y una chicas jóvenes terminan hechos pedazos.

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