(Algunos) momentos claves de la comunidad LGBTIQ+ en la música

La música ha sido instrumental para la revolución sexual y la reivindicación de los derechos de las comunidades LGBTIQ+, ya sea a través de la composición de piezas, la vocería pública de las estrellas del rock o las decisiones estéticas en la alfombra roja. El espacio público es el lugar de la lucha y del diálogo. Aquí, diez momentos importantes, hermosos y necesarios  que la música ha propiciado para la comunidad LGBTIQ+.

1968: Wendy Carlos (entonces Walter Carlos) presenta Switched on Bach, probablemente uno de los primeros discos de música electrónica, en el que utilizaba sintetizadores en vez de una orquesta para replicar las composiciones del famoso compositor alemán Johann Sebastian Bach. Carlos, quien después grabó la banda sonora de The Clockwork Orange, se convertiría en una de las primeras transexuales de la música moderna. Carlos había entendido su disforia de género a una edad temprana, cuando tenía alrededor de cinco o seis años. En varias entrevistas recuerda siempre haberse sentido como una mujer, a pesar de que nadie más entendiera lo que para ella era evidente. En 1966, Harry Benjamin, sexólogo y abogado pionero de los derechos de la comunidad trans, publicó The Transsexual Phenomenon, un libro clave para Carlos, quien empezó tratamiento de hormonas con el doctor. Cuando Switched on Bach se volvió un fenómeno, y Carlos una persona pública, la música y compositora luchó con el miedo de no ser aceptada, disfrazándose de hombre antes de sus presentaciones con la Orquesta Sinfónica de Saint Louis. Debido al éxito del álbum, pudo costearse una operación de reasignación sexual. En una entrevista con Playboy, en 2019, dijo que siempre había estado preocupada por la libertad y recordó cuán poco le importó al público su transición. Entre otros hitos, Carlos ayudó a Robert Moog a desarrollar el sintetizador Moog, un instrumento clave de la música moderna, en el que grabó su álbum histórico.   

1975: David Bowie presenta la categoría a Mejor Artista Femenina de R&B en la ceremonia anual de los Grammy con la introducción “Ladies and gentlemen… and others”, reconociendo la importancia de la diversidad de género en la industria del entretenimiento. Bowie había estado coqueteando con el género desde los primeros pasos de su carrera, jugando con la identidad sexual de Ziggy Stardust, el trágico protagonista de su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, uno de sus primeros éxitos de ventas. A pesar de que su identidad fue siempre un misterio (se declaró homosexual o bisexual, hasta heterosexual en el clóset en diferentes etapas de su vida, lo cierto es que su atracción por la androginia, la performance escénica y su apoyo constante a los derechos de la comunidad LGBTIQ+ durante años lo convirtieron en uno de los principales íconos de dicha población. A fin de cuentas, los hombres de las estrellas están más avanzados que nosotros. Cuenta la historia que, años después de esta celebración, Hedi Slimane arrancó todas las fotografías del estudio de Dior cuando asumió el liderazgo de la casa de alta costura, salvo aquella de este momento en los Grammy con Bowie entregando su premio a Aretha Franklin. Bowie incorporó una visión novedosa del género en la industria de la moda. Slimane lo supo de tiempo atrás, cuando empezó a hacer sus propias ropas a los 16 años.

1978: “Ever Fallen In Love (With Someone You Shouldn’t)” de Buzzcocks se convierte en la canción del año para la publicación NME. Pete Shelley, cantante de la banda, fue la primera persona abiertamente bisexual en el punk, un espacio que posaba de libertario, pero en el que existía una marcada discriminación sexual. Este sencillo, su más exitoso, nace de los maltratos de su pareja en una relación homosexual a la que sobrevivió poco antes de la escritura del tema. Buzzcocks es una de las bandas pioneras del punk, permitiéndole al movimiento estético y artístico llegar a la radio comercial y convertirse en una forma de expresión en el que muchos jóvenes confundidos han conseguido un refugio. La genialidad de Pete Shelley, quien le permitió a la banda explorar su lado más romántico y sentimental, fue el uso de pronombres neutros: “you” y “me” antes que “he” or “she”, lo que le da “Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn’t)” un carácter universal que interpela a cualquiera que se haya sentido traicionado por la cruel flecha de Cupido. Más de cuarenta años después esta canción sigue siendo un himno para las nuevas generaciones de adolescentes confundidos, quienes buscan refugio bajo una chamarra de cuero ajada pintorreteada con una enorme “A” roja en la espalda.

1980: Julius Eastman presenta “Gay Guerrilla”. Diez años antes de su muerte, uno de los precursores olvidados de la música minimalista, presentó esta pieza de casi treinta minutos. Eastman un enigma, siempre notable en muchos mundos que habitaba: negro, blanco, gay, heterosexual, música clásica, música disco, la academia y el convulso centro de Nueva York, lugar en el que se reunían quienes caminaban por el lado salvaje de la vida. Su música, insistente y directa, resiste etiquetas y hierve con una tensión que resuena en músicos, académicos y audiencias contemporáneas. Los títulos provocativos de Eastman, incluidos “Gay Guerrilla”, “Evil Nigger”, “Crazy Nigger” y otros, hacen parte de un universo textual y político que trasciende la emoción de la música para construir un sentido reflexivo. Eastman estaba empecinado en empujar los límites de lo aceptable en las conversaciones de los derechos civiles y sexuales. A pesar de su triste deceso producto de su dependencia a las drogas, Eastman demostró que la música instrumental podía tener una carga política y hoy es un nombre clave para entender las formas del minimalismo.

1991: Freddie Mercury pierde su batalla contra el SIDA, enfermedad que lo había aquejado en sus últimos años. 24 horas antes de su muerte el cantante reveló a los medios su condición y explicó que había tratado de proteger a sus seres queridos guardando silencio. Su muerte demostraba el terror homófobo y el poco entendimiento de lo que durante un tiempo se llamó “el cáncer gay”, alertando a la cultura sobre la necesidad de cambiar la narrativa. Después de un viaje a Suiza, Mercury decidió dar el paso hacia lo inasible y dejar de tomar la medicina con la que sobrellevaba su condición. "Sin embargo, ahora ha llegado el momento de que mis amigos y fanáticos de todo el mundo sepan la verdad, y espero que todos se unan a mí, a mis médicos y a todos en todo el mundo en la lucha contra esta terrible enfermedad", concluyó en su declaración a la prensa. Mercury hace parte de una larga lista de rostros visibles como Keith Haring, Eazy-E, Héctor Lavoe o Frankie Ruiz que han muerto por complicaciones relacionadas con esta patología, demostrando que es un mal al que nadie es indiferente. Su música es un recuerdo constante de una batalla constante por sobrevivir y llevar luz a cada uno de los corazones. El estigma no desaparece: en 2019, China editó todas las partes homosexuales de su película biográfica Bohemian Rhapsody.

1995: Sir Matthew Bourne presenta un montaje totalmente masculino de El lago de los cisnes, una de las obras claves del compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky, quien tuvo que ocultar su homosexualidad en vida y sufrió muchos problemas y persecuciones. Originalmente, esta pieza de ballet sigue la tradición europea del amor romántico entre parejas heterosexuales. Los protagonistas, Odette y el Príncipe Siegfried, asumen los roles de género convencionales: ella es hermosa y él un cazador cuyo poder es el único capaz de salvarla de un poderoso hechizo. "La idea de un cisne macho tiene mucho sentido para mí. La fuerza, la belleza, la enorme envergadura de estas criaturas sugiere la musculatura de un bailarín más fácilmente que una bailarina en su tutú blanco", explicó Bourne en su estreno. La obra, a pesar de reacomodar ciertos fragmentos de la música, mantiene el tema central del amor prohibido, presentando a un hombre que busca trascender los límites de lo establecido para alcanzar la libertad a través del amor. Así como Tchaikovski, quien tuvo que desposar a su antigua alumna Antonina Miliukova para acabar con los rumores que lo perseguían en la Rusia tradicionalista de su tiempo.

1998: Rob Halford, vocalista de Judas Priest se declara gay en MTV durante una entrevista. Todo el estilo de su indumentaria, recordaba, estaba basado en los artículos de las tiendas de sadomasoquismo que frecuentaba durante la década de los setenta, cuando Judas Priest se estaba formando y tenía que ocultar su sexualidad. Fue un paso fundamental en el mundo del metal, considerado excesivamente masculino y más aún en el momento en que Priest empezó a presentar sus canciones: el metal se había convertido en un hijo del mainstream debido, en gran parte, a Van Halen y la escena derivada de bandas glam del Sunset Strip, que hacían estremecer a las juventudes femeninas de la misma manera que lo había conseguido Elvis décadas atrás. "Es un momento maravilloso cuando sales del clóset. Ahora que lo he hecho y me he liberado. Es muy emocionante para mí finalmente soltarme y hacer esta declaración, especialmente a The Advocate, porque esta revista me trajo mucho consuelo a lo largo de los años”, dijo llorando. Halford se justificó explicando su temor a ser lapidado en la década de los setenta y ochenta, luego agregó en el documental de Behind the Music que el haber luchado con el secreto durante tanto tiempo le causó una depresión severa, misma que lo llevó al abuso de sustancias.  

2007: Chavela Vargas, la única cantante de rancheras lesbiana en conquistar los escenarios mexicanos, es distinguida con el Premio Grammy a la Excelencia Musical en el 2007. Chavela es un ícono del continente y una figura recordada con cariño por sus memorables presentaciones, que le venían de las entrañas. Sin embargo, su vida estuvo signada por la melancolía y la ruina, terminando casi en condición de sin techo en varias ocasiones. Chavela sostuvo varios amoríos con figuras importantes del jet set latinoamericano, pero su legado va mucho más allá de los chismeríos a los que nos hemos acostumbrado como cultura en este continente. Su lucha es la de haber tomado un género musical en el que no cabía la mujer para reivindicarlo y convertirse en una de sus más insignes representantes. En la década de los cuarenta, cuando debutaba en los clubes de lujo del DF mexicano, Chavela abandonó los tacones (“me hacían parecer como una travesti”), se cortó la melena y se vistió con un poncho frente a un público mudo. Eran otras épocas y otros eran los protocolos. Chavela los fue desbaratando uno por uno, con un anhelo constante de ser libre siempre, pero también de recibir amor y de poder dar todo cuando albergaba su corazón costarricense que, a fuerza de recorrer el continente, se convirtió en un tesoro latinoamericano. Quizás de aquí venga la expresión “mujer con pantalones”, lo cierto es que su valentía, diez años después de su muerte, sigue siendo un acto de celebración por parte de la comunidad. 

2019: Sam Smith se declaran no binarios y piden que se les refiera con los pronombres “They/Them”. Smith salieron del clóset como gay en 2014 y como genderqueer en 2017. “No soy hombre o mujer, creo que fluyo en algún punto intermedio. Todo está en el espectro”, había declarado anteriormente. Habiendo participado en muchas entrevistas y debates relacionados con el género y la sexualidad, Smith es visto por algunos como una figura clave de la comunidad no binaria, que tiende a invisibilizarse en medio de esta compleja discusión que trata de incluir a todos los espectros de la sexualidad y la identidad humana, a veces con mayor éxito que en otras ocasiones. Smith hacen parte de una nueva ola de celebridades para las que el género va mucho más allá de las preferencias sexuales. Cara Delevigne, Janelle Monáe, Demi Lovato o Elliot Page. 

2020: Bad Bunny presenta el video de “Yo perreo sola”, en el cual el boricua saca sus mejores dotes de drag como guiño a la comunidad LGBTIQ+. El artista puertorriqueño no le ha tenido miedo en ningún momento de su carrera a jugar y replantearse los roles y estereotipos masculinos, presentando actitudes del gender-bending en su indumentaria de manera casual: crop-tops, uñas de colores y pestañas postizas. En un lugar tan marcadamente homófobocomo es Puerto Rico, y haciendo parte de un discurso tan machista y cuestionable como es el del reggaetón, Bad Bunny ha defendido la lucha de la comunidad LGBTIQ+ públicamente y en varias ocasiones, antagonizando con leyendas del género como Don Omar, quien hizo un chiste de doble sentido (y de muy mal gusto) en Twitter en 2019. En 2020, mientras presentaba YHLQMDLG, que incluye “Yo perreo sola”, el artista se subió al escenario del show de Jimmy Fallon con una falda negra, una chaqueta rosada y una camiseta blanca con un poderoso mensaje: “Mataron a Alexa, no a un hombre con falda”. El cantante se refería al asesinato reciente de una mujer transgénero en Puerto Rico después de que decidiera, como era su derecho, utilizar el baño de mujeres, género con el que se sentía identificada, aunque no hubiera sido el que le había sido asignado. Sin embargo, es un poco problemático aún que San Benito no le haya dado créditos en su álbum a Nesi, con quien interpreta el tema. La deconstrucción no es cosa de un día.